Catégorie : Culture

Sabrina Carpenter va incarner Alice dans une nouvelle adaptation musicale du récit emblématique Alice aux Pays des Merveilles. Ce rôle marque une étape importante dans sa trajectoire : non seulement elle joue l’héroïne, mais elle est aussi productrice du film aux côtés de Marc Platt, déjà connu pour ses productions ambitieuses.

La mise en scène sera assurée par Lorene Scafaria, qui a déjà fait ses preuves avec des œuvres comme Hustlers et des épisodes de Succession, promettant une relecture moderne, audacieuse et musicale du classique de Lewis Carroll. Le projet allie le charme onirique du conte et une dimension contemporaine, portée par la créativité et l’énergie de Carpenter.

Pour la jeune artiste, cette expérience est doublement significative : elle peut exprimer sa fibre musicale tout en explorant le cinéma d’une manière plus engagée, en participant à la production. Le film pourrait aussi redéfinir la figure d’Alice, la rendant plus proche des nouvelles générations, sans trahir la magie intemporelle du récit original.

Cette adaptation très attendue suscite déjà l’enthousiasme parmi les fans, qui voient en Carpenter une Alice à la fois rêveuse et déterminée. Le projet s’annonce comme un pont entre conte classique et pop culture, une promesse d’émotion, de chansons et d’imaginaire revisité.

L’anticipation autour de Grand Theft Auto VI monte depuis des années, mais les fans devront patienter encore : le studio Rockstar Games a annoncé un nouveau report de la sortie au 19 novembre 2026, après une précédente date fixée à mai 2026.  Ce retard soulève des interrogations sur les versions PC qui, historiquement conçues après les consoles, pourraient arriver… fin 2027 ou au-delà.  Du côté de l’industrie, les répercussions se font déjà sentir : ce report pourrait retarder la sortie des futures consoles de nouvelle génération, comme le PS6 ou la prochaine Xbox.  Malgré cette déconvenue, l’éditeur tente de compenser à sa manière : la version multijoueur de la génération actuelle est désormais gratuite sur Xbox pendant un temps limité. 

Le 10 novembre 2025, nous étions au Zénith de Paris où vibrait au rythme d’une émotion rare : c’était le premier soir européen du Ultrasound World Tour, la nouvelle tournée mondiale de Lorde. La veille, sa date au Luxembourg avait été annulée au dernier moment à cause d’une maladie, transformant Paris en ouverture inattendue et hautement symbolique. La chanteuse néo-zélandaise, née Ella Yelich-O’Connor, est entrée sur scène dans une atmosphère suspendue, presque religieuse, avant de faire exploser la salle avec Hammer, premier titre de son nouvel album Virgin.

Connue depuis 2013 pour Royals, hymne adolescent devenu classique, Lorde a depuis sculpté un univers unique : une pop introspective et viscérale, entre mélancolie et euphorie. Avec Virgin, elle explore la peau, le corps et la métamorphose, des thèmes qui prennent une dimension presque physique sur scène. «I think that Ultrasound could be our masterpiece, » confiait-elle avant la tournée. Ce soir-là, à Paris, cette promesse a pris forme.

La mise en scène, conçue comme un voyage sensoriel, est l’une des plus saisissantes de sa carrière. Lorde évolue sur un tapis roulant pendant Supercut, comme entraînée dans une boucle émotionnelle infinie. Les écrans géants projettent des images aux allures de radiographies, illustrant le leitmotiv du spectacle : “see what’s under the skin”. La lumière se fait stroboscopique sur Buzzcut Season, aquatique sur Oceanic Feeling, et presque divine quand la chanteuse s’avance au bord de la scène puis traverse la foule pour interpréter David. Ce moment, l’un des plus intenses de la soirée, la voit marcher sur une diagonale lumineuse tendue vers la fosse, saluant les fans d’un regard chargé de reconnaissance.

Le set mêle les époques et les émotions : Green Light et Team déclenchent des cris de joie pure, Ribs fait chavirer la salle, Broken Glass et Man of the Year confirment la maturité du nouveau disque. Entre chaque titre, Lorde semble à la fois maîtresse de cérémonie et confidente, oscillant entre puissance et fragilité. Le public, conquis dès la première note, répond par une ferveur presque liturgique ; on chante, on pleure, on danse, on s’unit.

Lorde a toujours su transformer ses concerts en expériences émotionnelles totales, mais ce soir-là, Paris a touché quelque chose d’encore plus grand. Une communion, une renaissance, un moment suspendu entre la peau et la lumière. En refermant le show sur Ribs, elle sourit : la salle tout entière irradie avec elle. Et dans ce souffle final, une certitude : l’Ultrasound Tour n’est pas seulement un retour, c’est un manifeste. Une célébration de la vulnérabilité et du feu intérieur. Une nuit où la musique et le corps ne faisaient plus qu’un.

Une vidéo diffusée récemment par la Maison Blanche américaine détourne un morceau de la chanteuse Taylor Swift pour servir un discours patriotique, provoquant une onde de choc médiatique. Le clip institutionnel met en scène des drapeaux, des images symboliques de fierté nationale et un extrait musical qui n’a pas été autorisé pour cet usage. Cette appropriation soulève des questions sur la frontière entre communication politique et exploitation culturelle.

Taylor Swift, bien plus qu’une pop star, incarne un phénomène générationnel mondial. L’utilisation de son œuvre sans consentement explicite par une institution d’État touche au droit d’auteur, mais aussi à une économie de la symbolique : associer sa musique à un message gouvernemental, c’est accoler l’image d’une icône à une narration politique. Le débat va bien au-delà du copyright : il interroge la neutralité culturelle et l’appropriation des instruments artistiques dans l’espace public.

Face à la polémique, la Maison Blanche justifie le montage par un « usage court et contextuel », se réfugiant derrière le « fair-use » américain. Les juristes restent sceptiques et assurent que cet argument ne suffit pas à en décliner la responsabilité.

 Pour Taylor Swift et ses ayants droit, cette manœuvre marquerait un précédent : quand la musique d’un artiste devient le réacteur d’un discours public sans accord, qui contrôle alors la narration ?

Après une longue pause et quelques mystères entourant leurs projets, le groupe britannique Radiohead a effectué un retour en grande pompe sur scène, offrant à leurs fans un concert qui restera dans les annales. Dès les premières notes, la magie s’est rallumée : Thom Yorke et ses compagnons ont dépoussiéré leur répertoire comme un trésor qu’on redécouvre, alternant classiques intemporels et morceaux récents, dans un équilibre maîtrisé.

Ce soir-là, la scénographie aussi était à la hauteur : projections visuelles hypnotiques, jeux de lumière ciselés, son pur et puissant. Le public, électrifié, retrouvait non seulement le groupe de sa jeunesse, mais une version affûtée et consciente de son héritage. Pas de posture nostalgique, mais une renaissance assumée.

Radiohead ne joue plus pour surprendre à tout prix, mais pour affirmer. Affirmer que l’art traverse les décennies, que le public retrouve ce qui l’a fait vibrer, et que la scène n’est pas un souvenir figé mais un moment vivant. Leur retour ne s’adresse pas qu’aux quinquagénaires : il transcende les générations.

Ce concert marque un jalon. Non un retour simple, mais la réaffirmation d’une légende. Pour ceux qui étaient présents, c’était « absolument historique ».